Sebastian Heiner

To Act out Oneself – An Interview with Painter Sebastian Heiner

Adina Asbeck Insights, Interview 0 Comments

Deutsche Version unten/ German version below

Born in Berlin, Sebastian Heiner studied at the UdK (Universität der Künste) in his home town. Normally he works and lives in Berlin, where he shares an atelier with the artist Jörn Grothkopp. The Berliner told us as well, that his painting is influenced a lot by his temporary employment abroad. Over several years he held ateliers in Beijing, Shanghai and Bangkok. “I think, a lot broke loose inside of me while I was staying abroad. Before, I had the feeling that my painting got stuck in some kind of way. But the shock of the metropolis, the shock of the alien, highly opened myself up. I could return to colours, began to scratch inside of it and tried to find traces. (…) But also to be exposed to a completely different cultural context, I sensed as very fundamental and worth discovering for me. In a manner of speaking, I could find myself inside of the exceptional circumstances: inside of the foreign parts, far away from my cultural identity. I was able to return to myself – and was struck by this contradiction: To leave, to come back.” His devotion and examination of the Asian culture is significant and can be seen in his work. His paintings stand-out because of their abstract colouring and their graphic representation.

Indian Dance

#1 The perception of the artist

“With both of us artists it’s mainly about perception. We talk a lot about what reality really is. We observe the world differently and try to identify how the other one sees it, how we differ from one another and where we meet again. For sure we meet within the steady challenge of our own position. For both it’s about the process of creating. The process, for us, is much more important than the outcome, the journey is the reward. It’s about the various options of the appearance of a painting, given that it’s beautiful, how diverse our variations are. We love the exchange, also with other people, and I consider it to be crucially important. It helps staying loose, to not freeze yourself and to keep the doors open.”

#2 The stage of the artist

“My domain of painting I seize as a stage. If I change, I try to cut myself out and to focus on my work. I leave the routine and pass the border into chaos, where I don’t possess anything but myself. The clothes are the skin, the stage is the screen. Then it’s about the design: I work quite physically. Sometimes I squeeze out the tubes on the floor, so that I first offer a ground of colours. Other Times I reach in with my hand to then directly smudge the colours with my body on the canvas. Or I take cardboard, dip it in colour and pull it over the linen. It has to be fast, direct and spontaneous. In that context I’m thinking about the work with China ink in Asia and that you have to concentrate to pick the right moment to do the right thing. This moment is the accuracy inside of the chaos.  One has to follow his intuition. It may also happen that I created a composition I really like – besides a tiny moment, that brings down the whole system. It’s a series of reactions. The picture, that seems to appear randomly, eventually is always considered a system of elements. These elements have to experience some kind of order. The exemption might be illusory, because you always have certain modules and pieces available. Me, I have a particular movement I perform over and over again with my arm, without noticing. A specific repertoire is in some ways restrictive, too. Of course I can create lots of variations out of my repertoire, but still my great fear is the development of automatisms and a routine. In contrast I have to fight against it repeatedly, that’s why I change the main colour or the size and have to step back. Everyone has their own style: even the physical and psychic structure defines the elements one is provided with. It’s not about changing the repertoire of elements, at the most to widen it to its maximum. The dangers for creativity are the routine and the uniformity.”

Action at Work

#3 The working process of the artist

“It gets interesting when there is no concrete idea. It challenges me to always start at zero. That means not to have any deadlocked idea, or to have a ready-made opinion, but to act out of the moment and coincidence to then see that there will always arise a similar line. That way one cannot even act different than on his own terms. One leaves quite a lot behind, until he can only be what he is. My motivation exists out of the goal to not let anyone press me into one scheme, that’s why I even change the size of my canvas. So I also question myself technically. It’s a recurring question, which results out of a certain insecurity. I have to try something new again to challenge myself.”

“If mistakes occur, the worst case scenario is that I have to start a new painting. It might even be sorted out or I paint over it, which should only happen to a certain extent, because the freshness and immediacy otherwise get lost. Sometimes I mistrust the fast outcome, you always have to be on the watch, to always question yourself critically and to always be concentrated while doing so. I’m a huge fan of pragmatism. Maybe it’s because of the fear of chaos and the loss of control. It’s about keeping a balance between the disorder and a sorted, practically oriented world and tolerating this tension. The live is a subject to a messy principle, but there has to be some kind of order, otherwise the chaos would be destructive. It’s a dialectic assumption of the world out of two opposites, to create something and to question the creation afterwards again.”

#4 The rules of the artist

“It’s important to go step by step and to make decisions. To limit the dynamic of the chaos, you have to try to contain the things rationally, until you get to a result. I try to grasp the dynamic of the chaos within a small moment, like in chess. The chessboard is liable to the chaos and you try to rule over it. Therefore you need courage, because maybe you can’t control the entities even if you try. The risk of failing always exists. Yet it can be a struggle for existence, because you are a freelancer and you have to make your own rules day-in, day-out, even if you can’t enforce anything. You have to cultivate and renew your network and contacts all the time. It’s a current tension, because you are pressured forever with improvisation. Every day is new. There is never a guarantee for anything, but all of that can be very attractive as well. The resonance and the acknowledgement are essential. Within pure isolation you cannot create anything and that’s why you have to maintain the exchange. Otherwise the man folds.”

#5 What business can learn from artists

“From the process of the permanent self-renewal and the not standing still. That you keep having the courage to search for solutions and solve problems and to stay agile and open minded along the way. That they realise, that there is no security, only consistently new moments. That you do teamwork and communicate with your partner, so that you don’t achieve the things for yourself but together. That they believe in themselves and in one another. The belief in yourself is the strongest impulse to be able to find solutions. There is always an answer, even if it’s different from what you expected. Sometimes the answer doesn’t have a solution. I think, everyone can experience more: No matter if president, cashier, or professor. It’s about everyone displaying the things within his own possibilities and abilities and therefore brings out the best in himself. Meanwhile you should stay human and believe in the inventive quality even if there is not much tolerance. It’s about cultivating the positive, human skills: compassion, sympathy, exchange, help, etc., everyone can achieve that. Basically the economy wants to develop and to push something, those are basic elements of human action. You want to earn something and to create an additional benefit, that’s why there has to be a strategy to imply the creative. Without vision you cannot develop any strategy or product. The art is just a symbol for intense, human action. If you want to achieve something, you have to be brave, willing to take risks, curious and have fun. It doesn’t work if you are stubborn and without a certain freedom. There has to be conditions for the creative as well.” Additionally, Sebastian Heiner answered the question if he’s more resistant because of his art: “I think so. But that slowly developed over the years.”

German Version / Deutsche Version

Aus sich selbst heraus Handeln – Ein Interview mit dem Künstler Sebastian Heiner


Der gebürtige Berliner Sebastian Heiner studierte in seiner Heimatstadt an der Hochschule der Künste. In der Regel lebt und arbeitet Heiner in Berlin, wo er sich das Atelier mit dem Künstler Jörn Grothkopp teilt. Bezeichnend für den Künstler ist seine Hinwendung und Auseinandersetzung mit der asiatischen Kultur, was sich auch in einem Teil seiner Arbeiten widerspiegelt. Seine Werke zeichnen sich durch abstrakte Farbgestaltungen und plastische Bilddarstellungen aus. Der Berliner erzählte uns, dass seine Malerei auch sehr von seinen Aufenthalten im Ausland geprägt ist. Über viele Jahre unterhielt er Ateliers in Peking, Shanghai und Bangkok. “Ich glaube, dass während dieser Aufenthalte in mir unheimlich viel aufgebrochen ist. Ich hatte vorher das Gefühl, dass meine Malerei in gewisser Weise etwas festgefahren war. Aber dieser Schock der Großstadt, der Schock des Anderen, des Fremden hat mich sehr geöffnet. Ich konnte wieder zur Farbe zurückkehren, habe angefangen, in die Farbe zu kratzen, und versucht, Spuren zu finden. (…) Aber auch das Ausgesetztsein in einen ganz anderen kulturellen Kontext empfand ich für mich als sehr elementar und entdeckenswert. Ich konnte mich in der Ausnahmesituation sozusagen selbst finden: in der Fremde, fernab von meiner kulturellen Identität. Ich konnte wieder zu mir zurückkehren – und fand diesen Widerspruch spannend: Wegzugehen, um zurückzukehren.”

#1 Die Wahrnehmung des Künstlers

“Bei uns beiden Künstlern geht es vor allem um Wahrnehmung. Wir sprechen oft darüber, was eigentlich Wirklichkeit ist. Wir nehmen die Welt unterschiedlich wahr und versuchen zu erkennen wie der andere die Welt sieht, wie wir uns unterscheiden und wo wir uns treffen. Auf jeden Fall treffen wir uns in der ständigen Hinterfragung der eigenen Position. Bei beiden geht es um den Prozess des Schaffens. Für uns ist der Prozess wichtiger als das Ergebnis, der Weg ist das Ziel. Es geht um die verschiedenen Möglichkeiten der Entstehung eines Bildes. Da ist es gerade schön, wenn die Variationen bei uns so unterschiedlich sind. Wir lieben den Austausch, auch mit anderen Personen, und ich halte ihn auch für entscheidend wichtig. Das hilft locker zu bleiben, sich nicht zu sehr zu fixieren und die Türen offenzuhalten.”

#2 Die Bühne des Künstlers

“Mein Feld des Malens begreife ich als Bühne. Wenn ich mich umziehe, versuche ich abzuschalten und mich auf meine Arbeit zu konzentrieren. Ich verlasse das Alltägliche und überschreite eine Grenze in ein Chaos hinein, wo ich nichts habe, außer mir selbst. Die Kleidung ist die Verkleidung, die Bühne ist das Aktionsfeld. Nun geht es an die Gestaltung: Ich arbeite sehr körperlich. Manchmal drücke ich die Tuben auf dem Boden aus, sodass ich erst mal eine Masse von Farbe habe. Manchmal greife ich mit der Hand hinein und verstreiche sie anschließend direkt mit meinem Körper auf der Leinwand. Oder ich nehme Pappe, tauche sie in die Farbe und ziehe sie über die Leinwand. Es muss schnell, direkt und spontan sein. Ich denke hierbei an die Arbeit mit Tusche in Asien und dass man genau konzentriert in dem richtigen Moment das Richtige tut. Dieser Moment ist die Präzision im Chaos. Man muss seiner Intuition folgen. Es kann auch passieren, dass ich eine Komposition geschaffen habe, die mir gut gefällt – bis auf einen kleinen Moment, der das ganze System zum Abstürzen bringt. Es ist eine Kettenreaktion. Das Bild, das zufällig zu sein scheint, ist letztendlich immer ein System von Elementen. Diese Elemente müssen auch eine Ordnung erfahren. Das Freisein kann täuschend sein, denn man hat immer gewisse Module und Teile zur Verfügung. Ich habe eine bestimmte Armbewegung, die ich immer wieder vollziehe ohne es zu merken. Ein bestimmtes Repertoire ist in gewisser Weise auch beschränkend. Zwar kann ich aus diesem Repertoire heraus viele Variationen schaffen, doch meine große Angst ist die Entwicklung von Automatismen und einer Routine. Dagegen muss ich immer wieder ankämpfen, weshalb ich die Grundfarbe oder das Format ändere und einen Schritt zurückgehe. Jeder hat seinen eigenen Stil: Allein schon der physische und psychische Aufbau bestimmt die Elemente, die man zur Verfügung hat. Es geht nicht darum das Repertoire der Elemente zu verändern, höchstens es maximal zu erweitern. Die Gefahr für das Kreative sind die Routine und Gleichförmigkeit.”

Action at Work


#3 Der Arbeitsprozess des Künstlers

“Interessant wird es, wenn keine konkrete Idee vorhanden ist. Mich fordert es heraus immer bei null anzufangen. Das heißt weder eine festgefahrene Idee, noch eine vorgefertigte Meinung zu haben, sondern momenthaft und aus dem Zufall heraus zu agieren, um dann zu sehen, dass sich doch immer wieder eine ähnliche Linie kristallisiert. Auf diese Weise kann man gar nicht anders handeln, als aus sich selbst heraus. Vieles lässt man hinter sich, bis man nur noch das sein kann, was man ist. Meine Motivation besteht darin mich nicht in ein bestimmtes Schema pressen zu lassen, weswegen ich auch das Format auf der Leinwand verändere. Ich stelle mich also auch rein formal in Frage. Es ist eine permanent wiederkehrende Frage, die auch aus einer gewissen Unsicherheit resultiert. Ich muss wieder etwas Neues probieren und mich herausfordern.”

“Wenn Fehler passieren “muss ich im schlimmsten Fall ein neues Bild anfangen. Es wird dann auch mal aussortiert, oder ich übermale es, was jedoch nur in einem gewissen Grad passieren sollte, weil die Frische und Direktheit sich sonst verlieren. Manchmal misstraue ich dem schnellen Ergebnis, man muss immer auf der Hut sein, sich ständig kritisch hinterfragen und dabei konzentriert sein. Ich bin ein großer Anhänger des Pragmatismus. Vielleicht ist es aufgrund der Angst vor dem Chaos und dem Kontrollverlust. Es geht darum eine Balance zwischen dem Chaos und einer geordneten, praktisch orientierten Welt zu halten und diese Spannung auszuhalten. Das Leben unterliegt einem chaotischen Prinzip, doch irgendeine Form von Ordnung muss es hier geben, weil das Chaos sonst zu zerstörerisch ist. Es ist eine dialektische Anschauung der Welt aus zwei Gegensätzen etwas zu schaffen und das Geschaffene anschließend wieder zu hinterfragen.”

#4 Die Regeln des Künstlers

“Wichtig ist es Schritt für Schritt voranzugehen und Entscheidungen zu treffen. Um die Dynamik des Chaos einzuschränken, muss man versuchen die Dinge rational einzugrenzen, bis man zu einem Ergebnis kommt. Ich versuche die Dynamik des Chaos in einem kleinen Moment zu fassen, wie beim Schach. Das Brett unterliegt dem Chaos und man versucht es zu beherrschen. Dazu braucht man auch Mut, denn vielleicht kann man die Dinge gar nicht beherrschen und versucht es trotzdem. Das Risiko des Scheiterns besteht immer. Es kann schon deshalb ein Existenzkampf sein, weil man freiberuflich tätig ist und man seine eigenen Regeln tagtäglich aufstellen muss und gewisse Dinge nicht erzwingen kann. Das Netzwerk und die Kontakte müssen ständig gepflegt und erneuert werden. Es ist eine ständige Anspannung, da man ständig dem Druck der Improvisation unterliegt. Jeder Tag ist neu. Es besteht keine Garantie für irgendetwas, aber das alles kann auch unheimlich attraktiv sein. Die Resonanz und die Bestätigung sind essentiell. In der reinen Isolation kann man nichts schaffen und daher gilt es den Austausch pflegen. Ansonsten geht der Mensch ein.”

#5 Was die Wirtschaft vom Künstler lernen kann

“Von dem Prozess der ständigen Selbsterneuerung und Nichtstehenbleibens. Dass man mutig genug bleibt Probleme anzugehen und Lösungen zu finden und dabei wendig und offen ist. Dass sie erkennen, dass es keine Sicherung gibt, sondern immer wieder neue Momente. Dass man im Team arbeitet und mit seinen Partnern kommuniziert, sodass man die Dinge nicht alleine, sondern gemeinsam voranbringt. Dass sie an sich selbst und an die Menschen glauben. Der Glaube an sich selbst ist der stärkste Antrieb durch den man es schafft Lösungen zu finden. Es gibt immer eine Lösung, auch wenn sie vielleicht anders ist, als man sie sich vorgestellt hat. Manchmal hat die Lösung auch keine Lösung.

Ich glaube, dass das jeder erfahren kann: Egal, ob Präsident, ein Kassierer oder ein Professor. Es kommt darauf an, dass jeder im Rahmen seiner Möglichkeiten und Fähigkeiten die Dinge zur Entfaltung bringt und dabei das Maximale aus sich herausholt. Dabei sollte man menschlich bleiben und an die schöpferische Qualität auch dann glauben, wenn man wenig Spielraum hat. Es geht darum die positiven menschlichen Qualitäten zu kultivieren: Mitleid, Mitgefühl, Austausch, Hilfe, usw., das kann jeder leisten. Grundsätzlich geht es in der Wirtschaft darum etwas zu entwickeln und voranzutreiben, das sind Grundelemente des menschlichen Tuns. Man will etwas erwirtschaften und einen Mehrwert erzeugen, weshalb eine Strategie entwickelt werden muss, die das Schöpferische impliziert. Ohne Vision kann man keine Strategie und kein Produkt entwickeln. Die Kunst ist bloß ein Symbol für intensive, menschliche Handlung. Wenn man etwas erreichen will, muss man mutig, risikobereit, neugierig sein und Freude haben. Es funktioniert nicht, wenn man festgefahren ist und ohne einer gewissen Freiheit. Auch für das Kreative muss es Bedingungen geben.” Außerdem antwortete er die Frage ob er durch die Kunst besonders widerstandsfähig sei: “Ich denke schon. Es hat sich aber auch erst mit der Zeit entwickelt.”

Interview: Dirk Dobiéy, Transcript: Benjamin Stromberg, Blog: Adina Asbeck/Dirk Dobiéy, Editing: Stephanie Barnes
Picture source:  Hans-Georg Gaul (for Sebastian Heiner) except title portrait Age of Artists


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