Stephanie von Becker SAFI

Inside the Time Capsule with Musician SAFI

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SAFI is a musician and eponym of the same-named band; the band’s work can be identified somewhere between punk and poetry. After a graphic design education in Halle and Leipzig, and various jobs in that area, SAFI’s dream to become a full time musician became more urgent and she decided to concentrate on that genre while continuing to work as a graphic designer.

Because of her concerts and meetings with clients far away from her hometown of Berlin, she told us that to “work on the fly” is one part of the creative process. “When working on the road my concentration is the best. Probably because I have limited time and nothing can distract me. For sure my focus is better than if I was working in the studio for several days. For the whole time one has an observer’s perspective. One consumes influences and has a look out of the window or examines people. Especially that situation, to be trapped in a room that I can’t leave instantly, inspires me to create. For me, that window is like looking at a collage [of different people, scenery, events].” Therefore it’s obvious, to not only perceive those impressions, but to use them for my own work.


“I’m always collecting impressions – no matter where I am. I’m collecting through audio recordings or sketch books. In sketchbooks I am writing fragments of sentences and when I’m experimenting with audios on the computer – I’m putting together traces, taking them apart again and saving them within other archives: Sound Collage.”

SAFI described putting all those fragments together, as a whole, like this: “I treat text and music like a sculpture, I summarize and take away again, until I can find the form. At the moment the basis for a piece is the sound, the music, the rhythm, the melody. The text comes later – but sometimes it is the other way around.“ SAFI isn’t afraid of connecting her creative work with her education: “to me it’s kind of a painting; a compression and a process until the verdict that it is good enough and even after listening to it for the seventh time it still exists.” For SAFI, songs only survive if they are allowed to mature. “Generally I take time to leave pieces alone for a while. That creates the necessary distance to evaluate a piece in its being. With a fresh ear you are in the position of an aerial perspective and you realise immediately where it snags and is inconsistent, whether the piece really has a meaning, if the idea has manifested and whether the piece is relevant. Every second, every little shred can give rise to a new song.To me, every millimeter of writing on paper contains the potential to develop a story. The main inspiration is a playful approach: to liberate oneself, establish new rules, and to break them again; the passion to play and to create. The happiness is the main inspiration and motivating force. The next step is the aspiration: Where to go? What should it look like? What purpose does it all have?”

Contact with other artists plays a big role in the musician’s life, even if that can be painful from time to time. “It’s an amazing thing to work together with people from different genres. […] Together there is a creative process again. There, the songs are still able to change, they can get another character. If I notice that suddenly something weird happens with Matthias on the second guitar or Frank at the drums and we try to save that moment: ‘play this continuously and we improvise various things.’ Or they might say: ‘SAFI, that’s impossible to play, we can’t do it like that. What do you think about me playing it like this?’ Like that it’s amazing as well.”

SAFI/ Stephanie von Becker

For SAFI, even after several iterative loops the work isn’t done. “The reaction of the audience shows how well you’re able to perform the song. It is about the direct dialogue. If I played music just by myself, I would probably be very lonely. If people come to concerts and listen and understand, something magical happens. Everything has a purpose. It is being examined at its heart, screened by the audience, it is being absorbed, celebrated, or misunderstood – the whole work happens in that moment. It all becomes one.”

To share music or art, whether on a stage or in public, always means to be judged by people and to be confronted with critique. “Generally we think it is important that critique happens. The most instantaneous reaction we get is at concerts. On the one hand, the immediate reaction, the more or less strong applause during the concert, but also after the performance. Afterwards we get to talk to people at the merchandise stand: they buy things, ask questions, or share their excitement, but also their critique. Our friends and colleagues also share their compliments and critique with us. That feedback is more intense because our work really gets challenged or positively evaluated.”

It is important to SAFI to share the songs with the people she trusts and whose critique helps it to evolve. And she thinks, that it is important to, “not show her music to too many people, only to a small circle because otherwise there would be too many opinions. I am the most happy, when people say that I gave them something: they can take something home with them and think about it.”
SAFI also thinks that the artistic and creative influence of all kinds of genres contributes to our economy and improves our environment, that every person can be creative. “I noted, that everyone, even if he’s as far from the art as possible is creative because he decides about his own life and likes the things that he likes, otherwise he wouldn’t do them.
Project ideas emerge out of a creative impulse or will. If someone wants to hire one or one hundred employees, or how someone paints his own picture or dream is creative to me. The process is able to be designed. I would probably advise the managing partner of a collection agency to talk to creative people more often and to go to exhibitions and concerts. Additionally, we should have dialogues concerning idealistic and philosophical topics, so that the perspective is able to change and new opportunities arise.”

Interview: Dirk Dobiey
Blog-Post: Adina Asbeck
Translation: Adina Asbeck, Stephanie Barnes
Picture Source: SAFI/ Stephanie von Becker (


Thinking the Complex – Our Links of the month

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Our this months collection out of the world wide web gives some input on how our society and businesses struggle with their aim to control and structure the way of learning and working.

“What makes a genius?” an article  by Claudia Kalb, published by the National Geographic concentrates on the scientific research of genius minds, such as Michelangelo or Einstein and states that to achieve brilliant ideas we need “intelligence, creativity, perseverance, and simple good fortune, to name a few”.

““The more complex an organism is,” says artist and teacher Adam Wolpert, “the more capable it becomes. And the more capable it is, the more it can address challenges and seize opportunities. The downside of that is, the more complex it becomes, the more vulnerable it becomes.””, Steve Vassalo wrote in his article “Design Thinking Needs To Think Bigger” for Co.Design and introduces the need to renew our way of thinking.

Thomas L. Friedmann asks in his essay “From Hands to Heads to Hearts”, published by the New York Times, “what makes us humans unique?”, concentrating on the fact, that we live in a technical society, competing in thinking with machines. But machines “will never have: a heart”. “Humans can love, they can have compassion, they can dream. While humans can act from fear and anger, and be harmful, at their most elevated, they can inspire and be virtuous. And while machines can reliably interoperate, humans, uniquely, can build deep relationships of trust.”

The Guardian published an article by Christina Patterson, suggesting that dance might “future-proof our children”, meaning that “we will need all the creativity and curiosity and flexibility we can muster. We’ll need all the “innovation” we can get.”

Last but not  least, take the time to watch this short animated film by Daniel Martínez Lara and Rafa Cano Méndez, giving a colorful statement about our systematic, structured world, lacking the freedom of creativity and self expression and their necessity to be truly content.

Picture Source: Creative Commons (CCO)

Lucija Mikas

Empathy through Movement: Interview with Dancer Lucija Mikas

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Deutsche Version unten/ German version below

“I think, that people can learn empathy through dance”, dancer Lucija Mikas said. She began her dance career at the age of eleven at the John Cranko School in Stuttgart and quit her classic ballet education there, after four years of hard training. What she learned during this strict dance lessons, confirms established clichés as she says “Discipline is definitely necessary, because classic ballet is on the same level with ice skating and gymnastics. To perform great accomplishments, unbelievable discipline and forces are required. Looking back, I don’t regret going to that school, because I captured a kind of discipline I can use for other areas.” Even if Mikas is very grateful for this experience, she realized, that this path was not her destiny. She turned towards contemporary dance, also because in that area talent is understood in a slightly different way. “There, talent is measured with creativity, expression or improvisation. […] Contemporary dance is described a physical expression of ideas and emotions.” So she decided to complete her degree at the Academy for Contemporary Dance in Berlin. She worked within several projects until she decided to move to Croatia, where she fell in love and has lived there ever since. A very limited cultural range and the lack of infrastructure in her professional world forced her to improve her skills and to organize her own projects. “That’s how how I started to teach myself how to write projects, which still benefits me greatly. I created an infrastructure, which on the one hand is an advantage for the teenagers and their projects and on the other hand generates an infrastructure for people who live out of town. Thats how we can apply for resources together, so that we are able to work on a professional level. After all those years, I can now say, that I created a network I can work with. For four years I now teach at a school as a dance teacher where I train contemporary dance.” What she learned at a very young age through her strict dance lessons, is to have discipline and to challenge herself. We asked her, how much talent dancers have to bring with them and how much they have to revise with discipline.


The Process

As diverse the disciplines of Lucija Mikas are, as universally usable is the artistic creation for her. “I don’t want to confine the process to the artistic because it cuts across all areas of life. At the beginning I have an idea or an incident. It can also be a unreflected experience out of the past, that I now confront myself with. After that I check  what I already have for the transformation and what’s missing. Then I ponder the potential of the idea, split it into segments, which I pursue and get closure.  The closure then is the implementation.”

The Idea

“First, every movement emerges as a reaction of the emotional life. Contemporary dance is seen as a physical expression of ideas and emotions,” explains Lucija Mikas during the conversation about the origin of her ideas. “I for example see a fig tree, growing out of a stone. This fig tree reminds me of my rootlessness, because I don’t see his roots. The tree seems loose and not graspable. Other than an olive tree in the garden, where one exactly knows and sees, that he belongs to this garden. Then I put myself in the trees position and can pursue various approaches. I can start with the texture of the tree and feel how the leaves are constituted or how the roots are running. The metaphor can be followed and it can be seen that the tree only has small roots and doesn’t belong there. That I can translate into my life and on my art. Out of this inner feeling I can create movement while I physically transform, what structure the tree possesses. Due to improvisation a certain movement arises as a reaction. Either I define this movement or I let it loose. I can declare the freedom of the structure of a piece, so that it is being completely improvised or that it follows a determined structure with constituted movements.”

Der Froschkönig


The Creation

Even if the result of Mikas’ work is defined by structured procedures, the path to get there is characterized by the act in the moment, by playful improvisation and she isolates this procedure from focus and success orientation. “Due to my sensibility, concentration is a word, that doesn’t harmonize with improvisation. For me concentration has something to do with focus to do something willingly, which emerges out of a thought of success. Improvisation is better described by letting go. Even if one is concentrated, one stays open for influences. Maybe it’s a paradox and is similar to meditation, someone wants to do and absolutely wants to achieve. Most often, the fault is, that one is too restricted on the delivery and tries to absolve those things step by step. Basically, improvisation appears always and in every step, but if you emanate from a classical process then above all, at the beginning. Of course improvisation can be found on stage. I enjoy provoking something in a person and especially the surprise effect, that in every person you trigger something else. On the one hand, I think, that everyone on stage is desires applause. On the other hand nearly all artists state, that they feel the urge to do their art out of themselves. And I’m not an exception, but most important for me is the process, because I experience it as liberating.” A release, that also grows out of the collaboration with other people. For example the contact with other artists, the testing and experiencing of movement and the influence of another body for the own physical feeling. ”Dance has to do a lot with empathy. Contact with the outside world is being absorbed by the scences. Through a touch, the opponent can be experienced at once. Often much more direct than through eye contact, acoustic or scent, because the information is being sensed with the whole body. If I touch something hot, I feel it immediately. After collecting experiences and the analysis of a topic there is the synthesis. Little by little I put together individual fragments and finalize details. Thereby it’s helpful if someone from the outside has a look upon your work. In my case, that can be a director, an acquaintance or a colleague, who gives me feedback.” Furthermore she talks about the necessity of constructive critique to be aware of oneself in a new light and to evolve. “Doing ballet, I also learned to be grateful for constructive critique, because it is extremely important. In my opinion, other dancers are too sensitive and take critique personally too fast. with those people it’s also hard to work with. I adduce my pupils very fast, to be open minded and objective with their feedback. At the same time, it’s very important to be righteous and fair and to be mindful of not attacking someone personally.” If all of that works out, one day there is the performance in front of an audience. Thereby, Mikas clearly refuses the concept of perfection when she says, “It’s never really done. The need of the performance is a goal you work toward, for that moment your work is done, but can be completely different in a month. Today, we have every opportunity in forms of video and recordings, so that we can file everything, but dance is not determined for eternity. That’s as well reflected in the philosophy and way of live of dance, that you live from one moment into the other. Only if you live in the moment, you can really live the dance. It’s the art of the moment. […] There is no security. Terms like fault or failure only exist if you allow them. I experience failure when you don’t remain true to yourself and if you agree to a compromise that you’re barely willing to make.”

Read the full Interview. (German only)

Empathie durch Bewegung: Interview mit der Tänzerin Lucija Mikas

“Ich denke, dass Menschen durch Tanz Empathie lernen können”, sagt die Tänzerin Lucija Mikas. Sie begann ihre tänzerische Laufbahn mit 11 Jahren an der John Cranko Schule in Stuttgart und brach ihre klassische Ballettausbildung dort nach 4 Jahren  wieder ab. Was Mikas durch die Jahre strengen Tanzunterrichts lernte bestätigt gängige Klischees wenn sie sagt “Disziplin ist schon erforderlich, weil klassisches Ballett auf einem Niveau mit Schlittschuhlaufen und Kunstturnen steht. Dabei werden übermenschliche Disziplin und Kräfte verlangt, um große Leistungen zu bringen. Im Nachhinein tut mir der Besuch der Schule auch nicht leid, weil mir eine Art Disziplin geblieben ist, die ich für andere Bereiche nutzen kann.” So dankbar Mikas für diese Erfahrung ist, so deutlich wurde ihr auch, dass dieser Weg nicht ihre Bestimmung war. Sie wandte sich dem zeitgenössischen Tanz zu, auch weil Talent dort anders betrachtet wird. “Dort wird Talent eher an Kreativität, Ausdruckskraft oder Improvisation gemessen. […] Zeitgenössischer Tanz wird als körperlicher Ausdruck von Ideen und Emotionen beschrieben.” So entschied sie sich für ein Studium an der Akademie für zeitgenössischen Tanz in Berlin. Im Anschluss arbeitete Mikas in verschiedenen Projekten bis sie sich festlegte auf unbestimmte Zeit nach Kroatien zu gehen, wo sie sich verliebte und bis heute geblieben ist. Ein sehr beschränktes kulturelles Angebot und die fehlende Unterstützung für ihr Genre zwang sie dazu sich eine eigene Infrastruktur aufzubauen. “Dadurch begann ich mir selbst beizubringen Projekte zu schreiben, was mir heute sehr zugute kommt. Ich habe eine Infrastruktur geschaffen, die einerseits für Jugendliche und ihre Projekte nützlich ist und andererseits einen Rahmen bildet für Leute, die außerhalb [des Landes] leben. Hiermit können wir gemeinsam Mittel beantragen, damit wir zusammen auf einer professionellen Art und Weise arbeiten können. Jetzt kann ich nach all den Jahren sagen, dass ich ein Netzwerk habe mit dem ich arbeiten kann. Seit vier Jahren arbeite ich außerdem an einer Schule als Tanzpädagogin und unterrichtet zeitgenössischen Tanz.”



Der Prozess

So vielfältig die Betätigungsfelder von Lucija Mikas sind, so universell einsetzbar ist für sie der künstlerischen  Schaffensprozess. “Ich möchte den Prozess gar nicht auf das Künstlerische beschränken. Er zieht sich nämlich durch alle Lebensbereiche. Zu Beginn habe ich eine Idee oder ein beliebiges Ereignis. Das kann auch eine unreflektierte Erfahrung aus der Vergangenheit sein, der ich mich jetzt stelle. Danach überprüfe ich, was ich bereits zur Umsetzung habe und was mir fehlt. Anschließend wäge ich das Potenzial dieser Idee ab, teile es in Segmente, die ich verfolge und komme zu einem Abschluss. Der Abschluss ist dann die Umsetzung.”

Die Idee

“Zuvor muss gesagt werden, dass jeder Bewegungsablauf als eine Reaktion des Innenlebens entsteht. Zeitgenössischer Tanz wird als körperlicher Ausdruck von Ideen und Emotionen beschrieben,” erklärt Lucija Mikas im Gespräch auf die Frage nach dem Ursprung ihrer Ideen. “Ich sehe beispielsweise einen Feigenbaum, der aus einem Stein wächst. Dieser Feigenbaum erinnert mich an meine Wurzellosigkeit, weil ich seine Wurzeln nicht sehe. Der Baum wirkt ungebunden und nicht greifbar. Anders als bei einem Olivenbaum im Garten, wo man ganz genau sieht und weiß, dass er zu diesem Garten gehört. Dann versetze ich mich in den Baum und kann verschiedene Ansätze verfolgen. Ich kann bei der Textur des Baumes ansetzen und fühlen, wie seine Blätter beschaffen sind oder wie seine Wurzeln verlaufen. Die Metapher lässt sich weiterverfolgen und es ist zu sehen, dass der Baum nur kleine Wurzeln hat und nicht dahin gehört.

Das kann ich auf mein Leben und meine Kunst beziehen. Aus diesem inneren Gefühl kann ich Bewegungsmaterial schöpfen, indem ich körperlich umsetze, welche Struktur der Baum besitzt. Durch Improvisation kommt als Reaktion ein bestimmtes Bewegungsmaterial heraus. Entweder lege ich dieses Bewegungsmaterial fest oder lasse es frei. Ich kann die Freiheit der Struktur für ein Tanzstück festlegen, sodass es völlig improvisiert ist oder einer festgelegten Struktur mit festgesetzten Bewegungssequenzen folgt.”


Die Schöpfung
Selbst wenn das Ergebnis von Mikas’ Arbeit in einer definierten Struktur und Abläufen endet ist der Weg dorthin gekennzeichnet durch das Agieren im Augenblick, durch spielerische Improvisation und sie grenzt dieses Vorgehen von Fokus und Erfolgsorientierung ab. “Nach meinem Empfinden ist Konzentration ein Begriff, der nicht ganz mit Improvisation harmoniert. Für mich hat Konzentration und Fokus etwas mit einem Willen zu tun, der aus einem Erfolgsgedanken entstand. Improvisation beschreibt sich besser mit loslassen. Obwohl man durchaus konzentriert ist, bleibt man offen für Einflüsse. Es ist womöglich auch ein Paradox und ähnelt der Meditation, die sich jemand vornimmt und unbedingt erreichen will. Das ist meistens der Fehler, dass man sich zu sehr auf die Erfüllung beschränkt und Schritt für Schritt an solche Dinge herangeht. Im Prinzip taucht Improvisation immer und in jedem Schritt auf, aber wenn man von einem klassischen Schaffensprozess ausgeht, dann vor allem am Anfang. Natürlich findet sich Improvisation auch auf der Bühne. Ich finde es schön etwas in einem Menschen auszulösen und besonders der Überraschungseffekt, dass in jedem etwas anderes ausgelöst wird.  Einerseits denke ich, dass jeder der auf der Bühne steht den Wunsch nach Beifall hat. Andererseits behaupten nahezu alle Künstler, dass sie ihre Kunst aus einem inneren Drang heraus machen. Ich bin da keine Ausnahme, aber für mich steht der Schaffensprozess im Vordergrund, weil ich ihn als erlösend wahrnehme.” Eine Erlösung die auch aus der Zusammenarbeit mit anderen Menschen erwächst. Der Kontakt mit anderen Künstlern, das Ausprobieren und Erfahren von Bewegungen und den Einfluss eines anderen Körpers für das eigene Körpergefühl beispielsweise. “Der Tanz hat sehr viel mit Einfühlungsvermögen zu tun. Kontakt mit der Außenwelt wird durch die Sinne aufgenommen. Durch Berührung wird das Gegenüber am unmittelbarsten erfahren. Oftmals viel direkter als über Blickkontakt, dem Gehör oder dem Geruch, weil die Information mit dem ganzen Körper wahrgenommen wird. Fasse ich etwas Heißes an, spüre ich es unmittelbar. Nach dem Sammeln von Erfahrungen und Analyse eines Themas kommt es zur Synthese. Nach und nach setze ich einzelne Fragmente zusammen und arbeite Feinheiten heraus. Dabei ist es gut, wenn du jemanden von außen hast, der auf dein Werk schaut. In meinem Fall kann es ein Regisseur, ein Bekannter oder ein Kollege sein, der mir Feedback gibt.” Außerdem spricht sie von der Notwendigkeit konstruktiver Kritik um sich neu wahrzunehmen und weiterzuentwickeln. “Beim Ballett lernte ich auch sehr dankbar für konstruktive Kritik zu sein, da diese unglaublich wichtig ist. Andere Tänzer sind meinem Erachten nach zu empfindlich und nehmen Kritik zu schnell persönlich. Auch mit diesen Leuten ist es schwer zu arbeiten. Meinen Schülern bringe ich schnell bei, dass sie offen und objektiv in ihrem Feedback sein sollen. Gleichzeitig ist es wichtig gerecht und fair zu sein und darauf zu achten nie jemanden persönlich zu verletzen.” Wenn dies gelingt kommt irgendwann der Tag der Präsentation vor Publikum. Dabei erteilt Mikas dem Begriff der Vollendung eine klare Absage wenn sie sagt “es ist nie richtig fertig. Die Notwendigkeit des Auftritts ist eine Grenze bis zu der du arbeitest. Für diesen einen Moment ist deine Arbeit dann fertig, aber das kannst du in einem Monat komplett anders sehen. Heutzutage haben wir zwar alle Möglichkeiten in Form von Videos und Aufzeichnungen, sodass wir alles archivieren können, aber Tanz ist nicht für die Ewigkeit bestimmt. Das spiegelt sich auch in der Philosophie und Lebensart des Tanzes wieder, dass von Moment zu Moment gelebt wird. Nur wenn du in dem Moment lebst, kannst du den Tanz wirklich leben. Es ist die Kunst des Momentes. […] Es gibt keine Sicherheit. Begriffe wie Fehler oder Scheitern existieren nur, wenn man es zulässt.”

Lesen sie das vollständige Interview. (Nur auf deutsch)

Picture Sources (in order of appearance):

Florian Hammerich, Srđan Babić, Unbekannt, Florian Hammerich, Srđan Babić, Florian Hammerich, Dirk Dobiéy

Interview: Dirk Dobiéy, Transcription: Eugen Buss; Blog: Adina Asbeck, Dirk Dobiéy; Translation: Adina Asbeck, Stephanie Barnes



Art of Innovation: London and Berlin Workshops

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“When it’s time for something different it has to be different”, says Age of Artists member Stephanie Barnes. Together with Phil Dodson and Doug Shaw, kindly sponsored by Herman Miller, Betahaus, and The Wesley Hotel Stephanie is co-facilitating a series of interactive and practical organizational and personal development workshops: The Art of Innovation.

Innovation and creativity, powerful skills we need for differentiation purposes in business, and to which we are attracted as humans. Sadly, too often we let self criticism and anxiety hold us back from being creative. In the right environment, and with the right tools and techniques, we can progress past these blocks and let creativity and innovation become a regular, useful part of our daily lives and careers.

Stephanie, Phil and Doug invite you to join them for two one-day (London) or one two-day (Berlin) workshop  of carefully yet loosely structured exploration and work, focusing on:

  • Exploring curiosity
  • Identifying and applying the creative process
  • Learning ways to come up with new ideas and overcoming creative blocks
  • Reflecting on and adapting our own creative strengths and weaknesses

Course Outcome

Through our work together, you can expect to gain improved self-confidence and resilience, and take away practical tools and ideas to help you be more curious and creative, enabling you to create better work for yourself and your team. You will take away any art works you make on the day, some good quality art materials to enable you to continue your adventures, a reading list, and some creative prompts to support your learning.

Course Details

Through years of experimentation and hard work in our knowledge management, collaborative, and artistic practices, we have uncovered some important qualities which are necessary in order to sustain innovation and creativity.

They include:

  • Curiosity…An inquiring mind
  • Resilience…Strengthening and softening
  • Reflection…Thinking time
  • Improvisation…Going with the flow
  • A sense of community…Belonging

Exploring these themes, and how we can practice and improve them, will form the basis of our time together.

The outline for the day looks like this:

  • Creativity and our organizations
  • Critical Thinking
  • Innovation
  • Competitive Advantage
  • Resilience
  • Scene Setting
  • Principles of Work
  • Making and Doing
  • Personal Example
  • Deep Work
  • Vulnerability

Group Size

Minimum: 20

Maximum: 50


London: 1-day workshop will be offered twice, June 8 and 9, 2017

Berlin: 2-day workshop offered July 4 – 5, 2017

(Berlin is a 2-day workshop to account for differences in demand/interest based on anecdotal evidence in both cities. The workshops will cover the same material, it is the depth that will vary.)

Register here or learn even more at

Your instructors

Stephanie Barnes is a painter and knowledge management consultant. She works with organizations to make better use of what they know, utilizing her strategic business knowledge, critical thinking, and creativity in the process.

Stephanie is a member of Age of Artists and she can also be found on her personal website or business presence

Philip Dodson: Coach, Mentor, Blogger, Artist, Podcaster, Coworking Space Operator, Facilitator and speaker.

Founder of the creative and inspirational coworking space @Work Hubs, co-founder of International Collaboration Day, founder of Dodson Commercial, Creator of the Deep Work Project and London Art Club Meetup.

It’s all about why we do what we do, not what we do. Life is all about stories and being able to tell our own story. Phil is in love with writing, art and other communication and how it helps collaboration, connection, ideas, self-confidence and productivity.

In a world that is sadly dominated by shallow and repetitive work, he is on a mission to help people have the environment and tools to be able to create meaningful deep work that will set us apart.

Where to find Phil: Personal blogCoworking blog, podcast and info and commercial property.

Doug Shaw : Artist, Organisational Development Consultant, Facilitator.

Doug is at his best when helping people find greater effectiveness, enjoyment and inquiry in their work. He believes together beats apart, productive beats busy, connection gives us meaning, and conversations are the bond. Curiosity is underrated. We are all artists.

Where to find Doug: Art and Organizational development.

Rob Austin

An Artist Lives in the World Like Everyone Else – Interview with Rob Austin

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(German version below)

Robert D. Austin is an innovation and technology management researcher and professor of Innovation and Information Technology at Ivey Business School in Canada. Together with dramaturg and emeritus professor of theatre Lee Devin he examines business innovation through the lens of art practice. Their two books Artful Making and The Soul of Design explore the striking structural similarities between theatre artistry and production and today’s business projects. For Austin, there is no doubt artistic practices are highly relevant in today’s’ business environment, and particularly “in developed economies because communication and transportation networks have become so usable and inexpensive that it devalues cost-leadership approaches to business. Many companies in many places can enter into price competition when goods move around the globe so cheaply. And there are many places you can produce for a lower cost than in developed economies because of structural advantages (e.g., lower wages in developing economies). So, if you are based in developed economies you have a structural cost disadvantage. It doesn’t really matter how good you are, you may still have trouble defeating the competition based on cost. That forces more and more companies to differentiate themselves. Business differentiation usually arises from some sort of a creative act. It involves a shake-up for you that frees you from historical patterns, habits, processes and procedures and comes up with something truly new. That is something artists are striving for and good at.”

At the same time, Austin rejects an idealistic starry-eyed view into the matter. “Especially the arts, but every creative activity, are in a kind of enriching your view or in other terms, they are good for your soul. They have a spiritual dimension but I think in my work I have veered away from pressing that too far. Partly I worry a little bit that it is a slippery slope. I think there is a certain line of logic you can encounter that kind of expects art to save the world. That’s a lot to ask. We have to be kind of careful with what we approach. I emphasize that, and don’t mean to say that it is not a real effect, but I do think it can be of overly dramatized and romanticized. I know academics that are guilty of that. They do research in what I would call arts in management. Deep down what they have at heart is a rather more romantic notion of the arts than I think most real artists have. I think artists approach their work from the standpoint that it is nourishing for them and for their soul but it is for them quite a practical matter.  My co-author was a playwright for a while and did many things in the theater. One of the things he likes to say is that writing, for him, was about putting his head into the work and keeping it down for a certain number of hours. Then do it again the next day. He was always quite skeptical on others who overly romanticized things. There are some concepts that come up into the discussion that can be dramatically romanticized. There is also a sense where some artists, in order to cultivate image and aura, cultivate a romantic notion of what they do for external consumption, but I think it has relatively little to do with what they actually do. Most of the artists I interviewed over the years working on this kind of thing, don’t try to romanticize what they do. In fact, it doesn’t mean that their project is unimportant or mundane but for them, they like to make things”, Austin comments. And he is certain that “an artist lives in the world like everyone else.”

Yet a world experienced through the four qualities of artful making allows to reconceive much of what one does along artful lines, Austin and Devin write in their first book. Those four qualities are release, collaboration, ensemble and play and while they sound not very sophisticated they represent some major differences to most established business practices. “[…M]any of the things that are expressed in these four processes are things that are not built into the reflexes of business managers who have learned to manage in a more industrial setting, where they are oriented to terms like maximizing, exploiting and value creation”, Austin clarifies. “I would say that what we are describing in our book is very much the exploration inclination. There are a lot of things in that process you would never do in a more industrial exploitation process like the whole idea of release, is not consistent with what you would try to do in a factory. There is also literature in the management research on what’s called organizational ambidexterity. Organizations are trying to do both, exploration and exploitation and are succeeding to differing degrees and we are trying to discover those companies. The decision attitude is based on logical frameworks where you focus on the machinery to choose between alternatives. The creation of entirely new attitudes like the design attitude would be much more focused on a creative act.” For Austin one major difference is the concept of emergence. “In a lot of creative processes, you don’t choose between alternatives but create the right alternative. At that point, the choice is obvious.  In the final situation of a creative act you have worked your way to an alternative through what is basically an emergent process. Many businesses are historically rooted in the decision attitude. They need to move the direction to a design attitude.” A design attitude for Austin also involves a certain resilience; an ability to define an objective but to remain open enough to end up somewhere different than originally planned. “Often when you are in a creative process you start out going from A to B but you end up at C and that’s just the nature of things. I do agree that often creative processes especially in practical settings start with an objective but there are always multiple ways of finding the objective. What distinguishes the creative processes is that the outcome of those processes sometimes doesn’t solve the problem that they set out to solve. They reframe it in a new way that is more solvable or more satisfactorily solvable. Part of the creative act, especially in the field of design, is not to take the problem or objective as a given but to see as something that is subject to reframing and redefinition. A classic, elegant design solution is something that reframes the problem, solves the reframed problem, and in the process which also solves the original problem. You start out thinking the problem and objective were defined in a certain way and often this is where in the field of design a lot of user research comes in.”

Clearly, approaching a creative act with a design attitude involves not having all the answers, sometimes not even knowing the questions to begin with. For leaders with an orientation towards efficiency this is not easy to overcome, Austin explains. “They don’t enjoy not being able to make sense of things. They like to think they have already a good grip on the world. One of the things that’s fundamentally difficult about the arts is that they are continually evolving the meaning of things. In certain kinds of activities, especially if you are a manager who has focused on an industry for a long time, you don’t want to see much evolving at all. You want to see everything under control. When something as major as meaning starts to evolve; that doesn’t look like a good thing. It looks like something that needs to get under control, it runs against your reflexes.” Many artistic reflexes seem run against traditional management reflexes, many practices challenge classical business practices. While Austin does not favor one side over another, he is convinced creativity and innovation require the artful side of things. “An artful leader would probably be much more attuned to the emergent nature of creative acts and the way creative activities need to feed on each other: reactions to reactions to reactions as a way of moving ideas. They would be much more open to differences of perspectives because creative acts see things in different ways and are able to create something truly original. A second part is that once you’ve created something original and valuable, to recognize that that’s what you’ve done. That is something businesses have a lot of trouble with. Sometimes they create something new and quite valuable but their habitual procedures, practices and mindsets keep them from seeing the value. It is a very common pattern in business that companies that invent things are not the ones which eventually make that into a business. They are too busy in a different kind of businesses; it’s a pattern that repeats again and again. […] Another thing is that an open realization, that variation is at the heart of innovation and creativity, whereas it is the thing to be discouraged in a more industrial process. Randomness is a bad thing if you’re in an exploitation mode, but it’s an absolute requirement if you’re in an exploration mode.  Companies have all sorts of systems that try to minimize variation in their processes, all of which work against creative and artful processes. Often in a creative activity you are making judgments about esthetic quality of a thing versus their practicality. In a design firm a limitation might be a certain budget of a number of hours for a certain activity. If we go beyond this number of hours we start to lose money, it would be an unprofitable job, if we go too far beyond the budget. That is one set of pressures. Another set of pressures might be, we’re at the budgeted amount that we expected to spend on this but we don’t have a solution that we think is satisfactory, of a sufficient esthetic quality. A designer’s inclination is to work beyond that boundary. A business manager’s inclination is to say, ‘no, we have to restrict the budget because the job needs to be profitable.’ One thing we see in creative companies is that the managers are sometimes willing to go beyond those boundaries because they see it as an investment in future reputation, in creation of creative capabilities that they will get to reuse, and even creation of ideas that would come back in other products or work with other clients. I guess it boils down to an inclination to set aside the classic cost minimization or profit maximization reflexes, for a lot of reasons: to create new capabilities, to keep the creative people happy because they don’t want to do only profitable jobs, they want to do interesting jobs. One of the things we see in a lot of creative companies is that they will engage in projects that they know are not very lucrative or profitable, even going in, but these projects might be very interesting or stretch the creative capabilities in an interesting way.  These companies talk about it in very practical terms: ‘we do this one and it’s going to be fun but the next job we take has to be one where we pay the bills’, Austin exemplifies. “There is that balancing act that a lot of creative companies engage in.” When listening to Austin, it becomes clear that the balance he is describing is not aiming at keeping the balance at all times but allowing a company to achieve it by also going through various conditions. “

I see another thing which is part of the paper we just written. The company we were studying there is having the right number of crisis in a year. When they have too many crises it is too disruptive, if they have too few crises then they are not poking their process enough. That’s really not much like someone running a factory would think. The optimal number of crisis in a factory is zero. Those are just a few things and there are probably a lot of them, tolerance for ambiguity, and a capacity in a leader to help the people who work for them to tolerate ambiguity, in an important characteristic. To tolerate the fact that in a creative act you necessarily don’t know where you are going and that can be uncomfortable.”

Austin realizes learning from art for better outcomes in business and society is a topic of great promise and  significance but he is also realistic enough to understand it is not an easy task to convince traditional leaders. “We have more than 150 years of industrial thinking to overcome. The problem is always, when you are proposing new things and thinking in new categories and naming categories with different terminology, that terminology in that world lives at a disadvantage to the much more established terminology that’s all been settled. Anything truly new is at first unfamiliar and therefore kind of uncomfortable and therefore without respectability and meaning for a while.” But Austin is also full of hope due to the simultaneousness of many initiatives in the field. “We all use slightly different terminology, but I have the feeling that we are talking about the same kinds of things.”

Please access the complete interview here.

Ein Künstler lebt in dieser Welt wie jeder andere – Interview mit Rob Austin

Robert D. Austin ist Forscher und Professor für Innovation und Informationstechnologie an  der Ivey Business School in Canada. Gemeinsam mit Lee Devin, einem Dramaturg und ehemaligen Theaterprofessor erforscht er Unternehmensinnovation durch den Blickwinkel der künstlerischen Praxis. Ihre beiden Bücher Artful Making und The Soul of Design erkunden die markanten strukturellen Ähnlichkeiten zwischen der Welt der Theaterproduktion und der Durchführung von Projekten in Unternehmen. Austin hat keinen Zweifel daran, dass künstlerische Praktiken im heutigen Unternehmensumfeld sehr wichtig sind und vor allem “in entwickelten  Ökonomien, da Kommunikations- und Transportnetzwerke so allgegenwärtig und kostengünstig geworden sind, dass sie Unternehmenskonzepte der Kostenführerschaft abwerten. Viele Firmen können an unterschiedlichen Orten am Preiswettbewerb teilnehmen, wenn sich Waren so günstig um die Welt bewegen.  Und es gibt viele Orte an denen man aufgrund von strukturellen Vorteilen für einen geringeren Preisaufwand produzieren kann als in entwickelten Wirtschaftsräumen (z.B. niedrigere Löhne in Entwicklungsländern). Wenn man sich in einem entwickelten Land befindet, hat man einen strukturellen Preisnachteil. Es spielt nicht wirklich eine Rolle wie gut man ausgehend vom Preis ist, man kann trotzdem Schwierigkeiten haben mit der Konkurrenz mitzuhalten. Das zwingt viele Konzerne dazu sich zu differenzieren. Normalerweise entsteht eine Unternehmensdifferenzierung durch eine Art kreativer Handlung. Diese beinhaltet ein Wachrütteln, dass die Organisation von altmodischen Mustern, Gewohnheiten, Vorgehensweisen und Prozeduren befreit und mit etwas wahrlich neuem hervorkommt. Das ist etwas was Künstler anstreben und worin sie gut sind.” Gleichzeitig lehnt Austin ein zu idealistische und blauäugige Perspektive auf die Thematik ab. “Vor allem die Kunst, aber auch jede andere kreative Beschäftigung, erweitern die Wahrnehmung auf eine Art und Weise, oder anders formuliert, sie bereichern die Seele. Sie haben eine spirituelle Dimension. Aber ich denke, dass ich mich in meiner Arbeit davon entfernt habe das zu weit zu treiben. Zum einen befürchte ich, dass man sich damit aufs Glatteis begibt. Ich denke, es gibt eine gewisse Argumentationskette der man folgen kann und die irgendwie voraussetzt, dass Kunst die Welt rettet. Das ist eine ganz schöne Menge. Wir müssen etwas vorsichtiger damit sein, was wir angehen. Ich betone dies, meine aber nicht, dass die Kunst keinen tatsächlichen Effekt hat, glaube aber dass das Ganze extrem dramatisiert und romantisiert wird. Ich kenne Wissenschaftler die in diesem Sinne schuldig sind. Sie forschen in dem was ich Kunst im Management nennen würde. Ich denke, was sie im Grunde genommen verinnerlicht haben ist eine eher romantische Vorstellung von Kunst, als sie die meisten Künstler selbst haben. Ich glaube, Künstler gehen an ihre Arbeit von einem Standpunkt aus heran, welcher für sie und ihre Seele bedeutungsvoll und dennoch eine ziemlich praktische Angelegenheit ist. Mein Co-Autor war Drehbuchautor und hat viele Dinge beim Theater gemacht. Eine Sache die er gerne sagt ist, dass Schreiben für ihn bedeutet hat, den Kopf in seine Arbeit zu stecken und ihn für mehrere Stunden unten zu lassen. Und es dann am nächsten Tag wieder zu tun. Er war anderen gegenüber immer skeptisch die Dinge zu sehr romantisierten. Es gibt auch die Richtung wonach manche Künstler, um ein Image und eine Aura zu entwickeln, für Außenstehende eine romantische Vorstellung über das was sie tun kultivieren, aber ich denke, dass das relativ wenig mit dem zu tun hat was sie wirklich machen. Die meisten Künstler die ich über die Jahre interviewt habe und die an etwas derartigem arbeiten, versuchen nicht zu romantisieren was sie tun. Das bedeutet nicht, dass ihr Projekt unwichtig oder banal ist, sie mögen es Dinge zu schaffen”, erklärt Austin.  “Ein Künstler lebt in dieser Welt wie jeder andere auch.” Dennoch, eine Welt, die durch die Qualitäten künstlerischen Handelns wahrgenommen wird, erlaubt vieles was jemand entlang kunstvoller Handlungen tut, neu zu denken, schreiben Austin und Devin in ihrem ersten Buch. Diese Qualitäten sind Befreiung (Release), Zusammenarbeit (Collaboration), Ensemble (Ensemble) und Aufführung (Play) und auch wenn diese nicht sehr anspruchsvoll klingen, repräsentieren sie doch einige wesentliche Unterschiede zu den meisten etablierten Vorgängen in der Wirtschaft. “[…Viele] von den Dingen die in diesen vier Vorgängen ausgedrückt werden, sind Dinge die nicht in den natürlichen Reflexen von Führungskräften angelegt sind, die gelernt haben in einem eher industriellen Umfeld zu managen, in welchem sie sich an Begriffen wie Maximierung, Verwertung und Wertschöpfung orientieren”, erklärt Austin. “Ich würde sagen, was wir unserem Buch beschreiben, ist in hohem Maße die Neigung zur Entdeckung. Es gibt viele Dinge in diesem Prozess die man in einem eher industriellen nutzenorientierten Prozess nicht machen würde, sowie die ganze Idee der Befreiung nicht konsistent mit dem ist, was man in einer Firma versuchen würde zu tun. In der Managementforschung gibt es Literatur zu etwas das organisationale Ambidextrie genannt wird. Dabei versuchen Organisationen beides zu tun, zu erforschen und zu verwerten (explore and exploit) und sind damit unterschiedlich erfolgreich. Wir versuchen diese Firmen aufzuspüren. Die Entscheidungshaltung (decision attitude) basiert auf logischen Rahmenbedingungen, bei denen man auf den Mechanismus fokussiert um sich zwischen Alternativen zu entscheiden. Die Kreation von komplett neuen Haltungen wie der Gestaltungshaltung (design attitude) konzentriert sich auf den schöpferischen Akt.” Ein entscheidender Unterschied für Austin ist das Konzept der Emergenz. “In vielen kreativen Prozessen, wählt man nicht zwischen Alternativen sondern entwickelt die richtige Alternative. Zu diesem Zeitpunkt ist die Wahl offensichtlich. In der finalen Situation eines kreativen Prozesses hat man sich gewissermaßen durch einen emergenten Prozess zu einer Alternative hingearbeitet,. Viele Unternehmen sind historisch in der Entscheidungshaltung verwurzelt. Sie müssen sich in Richtung Gestaltungshaltung entwickeln.”

Eine Entwurfshaltung beinhaltet für Austin auch eine gewisse Widerstandsfähigkeit; eine Fähigkeit eine Zielsetzung zu formulieren und dennoch offen genug zu bleiben um woanders anzukommen als ursprünglich geplant. “Wenn man sich in einem kreativen Prozess befindet, beginnt man häufig damit von A zu B zu gehen, landet aber bei C, und das ist nur der natürliche Lauf der Dinge. Ich stimme zu, dass kreative Prozesse, vor allem im praxisorientierten Umfeld, mit einer Zielsetzung beginnen, es aber immer mehrere Wege gibt, das Ziel zu finden. Was den kreativen Prozess auszeichnet, ist dass das Ergebnis des Prozesses manchmal nicht das Problem löst, was versucht wurde zu lösen.

Sie [die Künstler] strukturieren es auf neue Weise um, welche besser zu lösen oder zufriedenstellender zu lösen ist. Teil des kreativen Tuns, vor allem im Bereich der Gestaltung, ist es nicht das Problem oder Ziel als solches hinzunehmen, sondern es als etwas zu sehen, was umgestaltet und neu definiert werden kann. Eine klassische, elegante Gestaltungslösung ist eine, die das Problem neu strukturiert, das neu strukturierte Problem löst, und während dieses Prozesses für das ursprüngliche Problem außerdem eine Lösung findet. Man beginnt damit, dass die Herausforderung und die Zielsetzung auf eine bestimmte Weise definiert wurden und dann kommt in der Welt der Gestaltung eine Menge forschendes Handeln ins Spiel.” Sicher, diese Herangehensweise an einen kreativen Akt mit einer Gestaltungshaltung bedeutet nicht alle Antworten zu haben, manchmal sogar nicht einmal die Fragen zu kennen. Für Führungskräfte mit der Neigung zur Effizienz ist dies kein leichtes Unterfangen, erklärt Austin. “Sie haben keine Freude daran nicht in der Lage zu sein Dinge greifen zu können. Sie mögen es zu glauben, die Welt schon im Griff zu haben. Eines der Dinge welches an den Künsten grundsätzlich schwierig ist, ist dass sie die Bedeutung der Dinge ständig verändern. In vielen Bereichen, vor allem als Manager der sich für lange Zeit auf eine Industrie fokussiert hat, will man überhaupt keine Veränderung sehen. Man will alles unter Kontrolle haben. Wenn etwas, so bedeutend wie die Bedeutung selbst beginnt sich zu verändern; sieht das nicht nach etwas Gutem aus. Es sieht nach etwas aus, dass unter Kontrolle gebracht werden muss, es läuft gegen die eigenen Reflexe.” Viele künstlerische Reflexe laufen traditionellen Reflexen im Management zuwider. Viele kreative Verfahren fordern klassische Geschäftspraktiken heraus. Während Austin nicht eine oder andere Seite favorisiert, ist er davon überzeugt, dass Kreativität und Innovation der künstlerischen Seite der Dinge bedürfen. “Eine künstlerisch agierende Führungskraft wäre höchstwahrscheinlich sehr viel eher auf die emergente Natur kreativer Aktivitäten und die Art und Weise, wie kreative Handlungen sich gegenseitig nähren, eingestellt: Reaktionen zu Reaktionen zu Reaktionen als eine Möglichkeit Ideen zu bewegen. Sie wäre sehr viel offener für Differenzen hinsichtlich verschiedener Sichtweisen, da kreative Vorgänge Dinge anders wahrnehmen und fähig sind etwas wirklich originelles zu schaffen.

Ein zweiter Aspekt ist es, wenn man einmal etwas originelles und nützliches geschaffen hat, zu erkennen was man getan hat. Das ist etwas, womit Firmen große Schwierigkeiten haben. Manchmal schaffen sie etwas Neues und ziemlich nützliches, aber ihre gewohnten Prozeduren, Vorgehensweisen und Haltungen halten sie davon ab, den Nutzen zu sehen. Es ist ein weit verbreitetes Phänomen in der Wirtschaft, dass diejenigen Unternehmen, die die Dinge erfinden, nicht diejenigen sind, welche daraus schlussendlich ein Geschäft machen. Sie sind zu beschäftigt mit einer anderen Art von Geschäftigkeit; dies ist ein Muster das sich immer und immer wieder wiederholt. […] Eine andere offenkundige Erkenntnis ist, dass Variation das Herzstück von Innovation und Kreativität ist, dies aber  genau das ist, wovon bei einem industriellen Vorgehen abgeraten wird. Zufall ist eine schlechte Sache, wenn man sich im nutzenorientierten (exploit) Modus befindet, dabei ist es eine absolute Notwendigkeit wenn man sich in einem forschenden (explore) Modus befindet. Unternehmen haben alle möglichen Systeme, die alle gegen kreative und künstlerische Prozesse wirken und versuchen Vielseitigkeit in ihren Vorgehensweisen zu minimieren. In kreativen Tätigkeiten wird oftmals die ästhetische Qualität eines Gegenstands gegen seinen Nutzen gestellt und bewertet. In einem Designunternehmen kann eine Einschränkung ein bestimmtes Budget an Stunden für eine bestimmte Aktivität sein. Wenn man über diese Anzahl von Stunden hinausgeht, beginnt man, Geld zu verlieren. Es wäre eine unrentable Arbeit, wenn man weit über dieses Budget hinausschießt. Das ist eine Form des Drucks. Eine andere Art des Drucks könnte sein, dass man sein geplantes Budget ausgegeben hat, man jedoch keine befriedigende Lösung oder eine angemessene ästhetische Qualität erarbeitet hat. Die Neigung eines Designers ist es über diese Grenzen hinaus zu arbeiten. Die Neigung eines Managers ist es zu sagen, ‘nein, wir müssen das Budget einhalten, weil der Job profitabel sein muss’. Eine Sache, die wir in kreativen Unternehmen sehen ist, dass Manager manchmal gewillt sind diese Grenzen zu überschreiten, weil sie erkennen, dass dies eine Investition in den zukünftigen Ruf ist, in die Schaffung kreativer Fähigkeiten die wiederverwendet werden können, und sogar in das Schaffen von Ideen, welche in anderen Produkten oder Arbeiten mit anderen Kunden wiederkehren werden. Ich denke, man kann das auf die Tendenz herunterbrechen, die klassische Kostenminimierung oder Gewinnmaximierung aus einer Vielzahl von Gründen beiseite zu lassen: um neue Leistungsfähigkeit zu schaffen, um kreative Menschen glücklich zu machen, da diese nicht nur profitable Arbeiten machen wollen, sie wollen interessante Jobs machen. Eine Sache die in vielen kreativen Firmen wiederzufinden ist, dass sie Projekte annehmen die nicht besonders lukrativ oder profitabel sind, die Projekte jedoch sehr interessant sein könnten oder die kreativen Fähigkeiten auf interessante Weise ausdehnen. Diese Unternehmen sprechen darüber auf sehr praktische Art und Weise: ‘wir machen dieses eine und es wird Freude machen, aber der nächste Job den wir annehmen muss einer sein der die Rechnungen bezahlt’”, verdeutlicht Austin. “Da ist diese ausgeglichene Haltung, mit der sich viele von diesen kreativen Betrieben engagieren.”

Wenn man Austin zuhört, wird klar, dass die Balance, die er beschreibt, nicht versucht die ganze Zeit das Gleichgewicht zu halten, sondern der Firma erlaubt dieses zu erreichen, indem sie auch durch unterschiedliche Zustände einnimmt. “Ich erkenne eine andere Sache, welche Teil eines Forschungspapiers ist dass wir gerade erarbeitet haben. Die Firma die wir untersuchten, hat die richtige Anzahl von Krisen im Jahr. Wenn Firmen zu viele Krisen haben, ist es zu störend, wenn sie zu wenige Krisen haben, dann stellen sie ihre Prozesse nicht genug in Frage. Dies ist  nicht wirklich, was jemand denken würde, der eine Fabrik leitet. Die optimale Krisenanzahl in einer Fabrik beträgt null. Das sind nur einige der Dinge und es gibt vermutlich noch einige mehr, Toleranz von Ambiguität, und die Fähigkeit einer Führungskraft, den Menschen die für sie arbeiten dabei zu helfen, Mehrdeutigkeit zu tolerieren, ist eine wichtige Charaktereigenschaft. Die Tatsache, zu tolerieren, dass man bei einem kreativen Vorgang grundsätzlich nicht weiß, wohin man geht, kann sehr unangenehm sein.”

Austin hat erkannt, dass das Lernen von Künstlern für bessere Resultate in Wirtschaft und Gesellschaft ein vielversprechendes, sowie wichtiges Thema ist, aber er ist auch realistisch genug zu verstehen, dass es keine einfache Aufgabe ist, Führungskräfte davon zu überzeugen. “Wir müssen 150 Jahre industrielles Denken meistern. Wenn man neue Dinge und neues Denken in neuen Kategorien vorschlägt und diesen Kategorien neue Begriffe gibt, ist das Problem immer, dass diese Begriffe in der bestehenden Welt immer einen Nachteil gegenüber der geltenden, schon festgelegten Terminologie hat. Alles wirklich Neue und erstmal Unbekannte ist deswegen irgendwie unangenehm und für eine Weile ohne Achtbarkeit und Bedeutung.” Hoffnung macht Austin die Gleichzeitigkeit vieler Vorhaben auf diesem Gebiet. “Wir benutzen alle etwas unterschiedliche Begriffe, ich habe jedoch das Gefühl, wir sprechen alle über die gleichen Dinge.”

Lessen Sie das vollständige Interview (nur in Englisch)

Transcript: Eugen Buss, Stephanie Barnes
Blog: Dirk Dobiéy, Adina Asbeck
Picture Source: Rob Austin

Alexa Sirbu Beneath the Waves

Where Ideas Come from and how Creativity can Improve our Wellbeing: Our links of the Month

Adina Asbeck Education, News 0 Comments

For this months edition we found some articles in the world wide web, about creativity and the ability of learning with, and from it.

Starting with the youngest age, read an article the Guardian has published about children’s “natural creativity and curiosity” and how it is being destroyed by our so called modern school systems. “In the future, if you want a job, you must be as unlike a machine as possible: creative, critical and socially skilled. So why are children being taught to behave like machines?” The full article is written by George Monbiot.

The next unit takes a closer look on artists and their pressure to create an own handwriting at a very young age. “These days the pressure is on young artists to come up with a singular look while they are still in college.” But we believe, that creativity cannot be something that ends at a certain age or can be forced on someone. We never stop learning. Laura Cummings article “The Seven Ages of an Artist”  again was published by the Guardian.

The Atlantic did an animated video we want to share with you on the flow of creativity. Based on the words of filmmaker David Lynch, this animation gives a possible answer to the question of  “Where great ideas come from?”.  Watch the short movie by Jackie Lay, Katherine Wells and Jennie Rothenberg Gritz.

Talking about animations, Pixar is now offering free online lessons in storytelling in partnership with online education provider Khan Academy. “The first lesson is available now, and will provide an introduction to storytelling as well as help you hone your initial creation of things like setting and character. The lessons include both videos and activities for students to complete, and provides a general basis on which to build.” The full article is written by Darrell Etherington and published by TechCrunch. Go on and access your first lesson.

Last but certainly not least we want to follow up on the topic of the influence of creativity and how it can not only help us learning and creating, but even improve our wellbeing. Once again the Guardian published a piece on the initiative, of the Springfield University hospital in London, to integrate donated art pieces into their building. “Will, a resident on the Phoenix ward, who is in his 20s and a keen artist himself, says of his new environment: “I like everything about it. It makes me feel good. It’s calmed the place down and the colours are more cool. It was a privilege to work with such talented people.””

Beneath the Waves

Photo credit: Alexa Sirbu. The artist’s work was inspired by jellyfish.




Sharon Molloy

Keeping an Open Mind: Interview with Artist Sharon Molloy

Adina Asbeck Insights, Interview 0 Comments

Deutsche Version unten / German version below

“When I think about artistic attitude the first thing that comes to my mind is to be open,” says Sharon Molloy, professional artist. She was born and raised in the U.K. but started travelling when she went to art school near London, at the Winchester School of Art. It was from that point onwards that she would expand her world and learn the importance of keeping an open mind. We interviewed Sharon Molloy to understand how her creative process is informed by science and process and to learn how things she has learned in her creative practice can be incorporated into the activities undertaken by organizations. Keeping an open mind and being curious has helped her to learn and experience new things as she has travelled the world. She recognizes that being curious is what is important in learning, innovating, and evolving her art practice, “I always felt that impelling curiosity. If I hear something new I want to know everything about it instantly.”

Small Square Green Web

Ms. Molloy states, “there are no finished states, really. Those separated moments don’t exist…we humans think that something starts and ends so we can reuse the output.” When in fact, everything keeps going and evolving we keep learning, “I have evolved some practices…because I’m open minded and playful. Curiosity makes me compassionate as an artist and for my life in general. When I am able to awaken the interest and interaction with non-artists, I couldn’t wish for more,” Ms Molloy enthuses. She sees her role as bringing a different perspective to people who don’t usually have contact with the kind of art she makes (Networkism) and during the interview related an anecdote about some dentists she had the opportunity to interact with at an exhibition. And they recognized that they (the dentists) were a network, like her paintings depict.

Ms Molloy enjoys learning and discovering new things. She says she was interested in science and processes at school, but had to decide between those subjects and her art, choosing art but recognizing that there is much in common between the two. Both have curiosity and the desire to know something at their heart. She says, “sometimes my work has been included in magazines the look at art and mathematics or art and science. There are moments I feel more like a scientist and my studio resembles an experimental workshop.” Ms Molloy believes that organizations have lost their way, focusing too much on profit, and not on “customers, society, or the environment. I think something is missing there,” she says. Further explaining that, “we should be aware that everything we use or do as individuals has an impact in a much bigger context.” It is this sense of purpose that helps drive her in her creative process and keeps her asking questions.

Ms Molloy believes that art transcends language, that “with visual art you can experience something which transcends language. You can express things that are separated and connected at the same time. You can see all the paradoxes.” She asserts we need more of this, not less in the world we live in, if we are going to survive as a species and appreciate the privilege we have of living on this planet, in this vast universe.

Please access the full interview here.

Deutsche Version / German Version

Dark Matter

Aufgeschlossen bleiben: Interview mit Künstlerin Sharon Molloy

“Das erste was mir in den Sinn kommt wenn ich über künstlerische Haltung nachdenke, ist offen zu sein.” sagt die Künstlerin Sharon Molloy. Sie ist in Großbritannien geboren und aufgewachsen, begann jedoch zu reisen als sie auf die Winchester School of Art, eine Kunsthochschule bei London, ging. Von dem Moment an habe sie ihre Welt vergrößert und gelernt, wie wichtig es sei aufgeschlossen zu bleiben. Wir haben Sharon Molloy gesprochen, um zu verstehen inwiefern ihr, auf wissenschaftlichen Prozessen beruhender, kreativer Schöpfungsprozess sich weiterentwickeln. Wir waren auch Neugier zu erfahren, wie die Dinge die sie während ihres Schaffensprozesses erlernt hat, auf Organisationen übertragen werden können. Offen und neugierig zu bleiben, half ihr, zu lernen und neue Erfahrungen zu machen während sie die Welt bereiste. Sie erkennt, dass neugierig zu sein eine entscheidende Rolle spielt, wenn es darum geht zu lernen, etwas neues zu schaffen und ihre Kunst weiter zu entwickeln. “Ich habe diese treibende Neugier immer gespürt. Wenn ich etwas neues mitbekomme, möchte ich sofort alles darüber erfahren.”

Molloy erklärt, “es gibt wirklich keine abgeschlossenen Zustände. Solche getrennten Augenblicke existieren nicht…wir Menschen denken, dass etwas beginnt und endet, damit wir das Ergebnis wiederverwenden können.” Obwohl alles was wir lernen sich bewegt und weiterentwickelt. “Ich habe einige Methoden für mich entwickelt… weil ich offen bleibe und spielerisch bin.”

“Neugier lässt mich als Künstlerin und generell in meinem Leben Anteil nehmen. Wenn ich es schaffe, in ‘Nicht-Künstlern’ das Interesse zu wecken und sie zur Interaktion zu bewegen, könnte ich mir nichts sehnlicheres wünschen,” schwärmt Ms Molloy. Sie sieht ihre Rolle als eine Möglichkeit, Menschen die normalerweise nicht mit ihrer Form der Kunst in Berührung kommen (Networkism) in Kontakt zu treten, eine neue Perspektive zu geben und bezog sich während des Interviews auf eine Anekdote über eine Gruppe von Zahnärztinnen, mit welchen sie die Möglichkeit hatte während einer Ausstellung zu interagieren. Und sie (die Zahnärzte) erkannten, dass sie ein Netzwerk bildeten, so wie es auf den Bildern von Molloy dargestellt ist.

White Web

Sharon Molloy genießt es, neue Dinge zu lernen und zu entdecken. Sie sagt, sie war schon in der Schule an den Wissenschaften interessiert, musste sich aber zwischen diesen Fächern und ihrer Kunst entscheiden, wofür sie sich festlegte und merkte, dass beide viel gemein haben. Beide beinhalten Neugier und das Streben nach Wissen. Sie erklärte, “manchmal ist meine Arbeit in Magazinen publiziert worden, die Kunst und Mathematik oder Kunst und Wissenschaft zum Thema haben. Es gibt Momente, in denen ich mich eher wie eine Wissenschaftlerin fühle und mein Studio einem Versuchslabor ähnelt.” Molloy glaubt, dass Organisationen von ihrem Weg abgekommen sind, sich zu sehr auf den Gewinn konzentrieren und nicht auf “Kunden, Gesellschaft und Umwelt. Ich denke etwas fehlt dabei.” Des weiteren erklärt sie, dass “ wir uns dessen bewusst sein sollten, dass alles was wir als Individuen tun, einen enormen Einfluss auf einen viel größeren Zusammenhang hat.” Es ist dieses Bewusstsein für Zusammenhänge die ihr helfen ihren kreativen Prozess voran zu treiben und weiter Fragen zu stellen.

Sharon Molloy glaubt, dass Kunst eine transzendente Sprache ist, “sodass man mit visueller Kunst etwas erleben kann, dass über Sprache hinaus geht. Man kann Dinge ausdrücken, die sich unterscheiden und gleichzeitig miteinander verbunden sind. Man kann alles Paradoxe sehen.” Sie stellt fest, dass wir mehr davon brauchen, vor allem in der Welt in der wir leben, wenn wir als Spezies überleben wollen und das Privileg zu schätzen wissen, auf diesem Planeten und in diesem weiten Universum zu leben.

Bitte lesen Sie das vollständige Interview hier.

Blue Web

Interview by Dirk Dobiey
Blog by Stephanie Barnes
Blog Translation by Adina Asbeck
Transcription by Eugen Buss
Picture Source: Sharon Molloy

Laura Kuch

Fehler als kreatives Prinzip: Interview mit Laura Kuch auf Deutschlandradio Kultur

Dirk Dobiéy Education, News, Uncategorized 0 Comments

Den falschen Film für den Oscar nominiert? Sicher ein Fehler aber nicht so schlimm meint die Künstlerin und Age of Artists Mitglied Laura Kuch im Interview mit Deutschlandradio Kultur. „Man könnte aber auch aus einer ganz anderen Perspektive da mal draufschauen und könnte sagen, da ist ja was ganz Ungewöhnliches, was ganz Überraschendes passiert, etwas, was in Erinnerung bleibt und sich eben auch abhebt von dem sonst so perfekten oder makellosen Ablauf in so einer Oscar-Verleihung.“ Allenfalls ein Schlamassel also. Vielleicht etwas größer als die sympathische Tatsache, dass Laura Kuch’s Interview-Partner Julius Stucke in der Einführung zum Thema Fehler den Oscar mit dem Grammy verwechselt.

Es kommt eben darauf an wie man damit umgeht und was man daraus macht. “Ein Ereignis das geschah,” meinte der Musiker Herbie Hancock über die Reaktion von Miles Davis auf etwas das Hancock selbst bei einem gemeinsamen Konzert gründlich misslang. Dabei führte Hancock’s Erlebnis nicht dazu ab diesem Zeitpunkt immer falsch zu spielen, sondern wie Laura Kuch meint, eine Aufmerksamkeit dafür zu entwicklen, dass Fehler möglich sind und mitunter auch produktives Potenzial in sich tragen. Dabei stellt Laura Kuch klar, dass dies “kein Aufruf zur Unachtsamkeit oder willkürlichem Handeln sein soll. Aber zum einen, Fehler zu machen, ist ja ein Element, das uns durch dieses Menschlichsein alle verbindet.” Für Laura Kuch geht es darum, “auch diese Aufmerksamkeit dafür zu entwickeln. Im künstlerischen Schaffensprozess sind Fehler integraler Teil von diesem gestaltenden Prozess, der auch immer ein offener Prozess ist.”

“Ich gebe Ihnen mal ein Beispiel aus meinen Seminaren: dass die Teilnehmer zum Beispiel am Anfang die Augen schließen und sich den perfekten geometrischen Kreis vorstellen. Und wen sie den dann meinen, so klar vor ihrem inneren Auge zu sehen, dann öffnen sie die Augen wieder und zeichnen diesen Kreis mit schwarzer Tusche auf einem leeren Blatt Papier nach. Was da natürlich herauskommt, sind natürlich nicht eine Vielzahl an perfekten geometrischen Kreisen, das wäre ja auch todlangweilig. Stattdessen haben wir viele ganz einzigartige Kreise, von denen jeder was ganz Besonderes hat.

Lesen oder hören Sie das vollständige Interview mit Laura Kuch hier und erfahren mehr über das Seminarangebot von dem sie im Interview spricht.

Sebastian Heiner

To Act out Oneself – An Interview with Painter Sebastian Heiner

Adina Asbeck Insights, Interview 0 Comments

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Born in Berlin, Sebastian Heiner studied at the UdK (Universität der Künste) in his home town. Normally he works and lives in Berlin, where he shares an atelier with the artist Jörn Grothkopp. The Berliner told us as well, that his painting is influenced a lot by his temporary employment abroad. Over several years he held ateliers in Beijing, Shanghai and Bangkok. “I think, a lot broke loose inside of me while I was staying abroad. Before, I had the feeling that my painting got stuck in some kind of way. But the shock of the metropolis, the shock of the alien, highly opened myself up. I could return to colours, began to scratch inside of it and tried to find traces. (…) But also to be exposed to a completely different cultural context, I sensed as very fundamental and worth discovering for me. In a manner of speaking, I could find myself inside of the exceptional circumstances: inside of the foreign parts, far away from my cultural identity. I was able to return to myself – and was struck by this contradiction: To leave, to come back.” His devotion and examination of the Asian culture is significant and can be seen in his work. His paintings stand-out because of their abstract colouring and their graphic representation.

Indian Dance

#1 The perception of the artist

“With both of us artists it’s mainly about perception. We talk a lot about what reality really is. We observe the world differently and try to identify how the other one sees it, how we differ from one another and where we meet again. For sure we meet within the steady challenge of our own position. For both it’s about the process of creating. The process, for us, is much more important than the outcome, the journey is the reward. It’s about the various options of the appearance of a painting, given that it’s beautiful, how diverse our variations are. We love the exchange, also with other people, and I consider it to be crucially important. It helps staying loose, to not freeze yourself and to keep the doors open.”

#2 The stage of the artist

“My domain of painting I seize as a stage. If I change, I try to cut myself out and to focus on my work. I leave the routine and pass the border into chaos, where I don’t possess anything but myself. The clothes are the skin, the stage is the screen. Then it’s about the design: I work quite physically. Sometimes I squeeze out the tubes on the floor, so that I first offer a ground of colours. Other Times I reach in with my hand to then directly smudge the colours with my body on the canvas. Or I take cardboard, dip it in colour and pull it over the linen. It has to be fast, direct and spontaneous. In that context I’m thinking about the work with China ink in Asia and that you have to concentrate to pick the right moment to do the right thing. This moment is the accuracy inside of the chaos.  One has to follow his intuition. It may also happen that I created a composition I really like – besides a tiny moment, that brings down the whole system. It’s a series of reactions. The picture, that seems to appear randomly, eventually is always considered a system of elements. These elements have to experience some kind of order. The exemption might be illusory, because you always have certain modules and pieces available. Me, I have a particular movement I perform over and over again with my arm, without noticing. A specific repertoire is in some ways restrictive, too. Of course I can create lots of variations out of my repertoire, but still my great fear is the development of automatisms and a routine. In contrast I have to fight against it repeatedly, that’s why I change the main colour or the size and have to step back. Everyone has their own style: even the physical and psychic structure defines the elements one is provided with. It’s not about changing the repertoire of elements, at the most to widen it to its maximum. The dangers for creativity are the routine and the uniformity.”

Action at Work

#3 The working process of the artist

“It gets interesting when there is no concrete idea. It challenges me to always start at zero. That means not to have any deadlocked idea, or to have a ready-made opinion, but to act out of the moment and coincidence to then see that there will always arise a similar line. That way one cannot even act different than on his own terms. One leaves quite a lot behind, until he can only be what he is. My motivation exists out of the goal to not let anyone press me into one scheme, that’s why I even change the size of my canvas. So I also question myself technically. It’s a recurring question, which results out of a certain insecurity. I have to try something new again to challenge myself.”

“If mistakes occur, the worst case scenario is that I have to start a new painting. It might even be sorted out or I paint over it, which should only happen to a certain extent, because the freshness and immediacy otherwise get lost. Sometimes I mistrust the fast outcome, you always have to be on the watch, to always question yourself critically and to always be concentrated while doing so. I’m a huge fan of pragmatism. Maybe it’s because of the fear of chaos and the loss of control. It’s about keeping a balance between the disorder and a sorted, practically oriented world and tolerating this tension. The live is a subject to a messy principle, but there has to be some kind of order, otherwise the chaos would be destructive. It’s a dialectic assumption of the world out of two opposites, to create something and to question the creation afterwards again.”

#4 The rules of the artist

“It’s important to go step by step and to make decisions. To limit the dynamic of the chaos, you have to try to contain the things rationally, until you get to a result. I try to grasp the dynamic of the chaos within a small moment, like in chess. The chessboard is liable to the chaos and you try to rule over it. Therefore you need courage, because maybe you can’t control the entities even if you try. The risk of failing always exists. Yet it can be a struggle for existence, because you are a freelancer and you have to make your own rules day-in, day-out, even if you can’t enforce anything. You have to cultivate and renew your network and contacts all the time. It’s a current tension, because you are pressured forever with improvisation. Every day is new. There is never a guarantee for anything, but all of that can be very attractive as well. The resonance and the acknowledgement are essential. Within pure isolation you cannot create anything and that’s why you have to maintain the exchange. Otherwise the man folds.”

#5 What business can learn from artists

“From the process of the permanent self-renewal and the not standing still. That you keep having the courage to search for solutions and solve problems and to stay agile and open minded along the way. That they realise, that there is no security, only consistently new moments. That you do teamwork and communicate with your partner, so that you don’t achieve the things for yourself but together. That they believe in themselves and in one another. The belief in yourself is the strongest impulse to be able to find solutions. There is always an answer, even if it’s different from what you expected. Sometimes the answer doesn’t have a solution. I think, everyone can experience more: No matter if president, cashier, or professor. It’s about everyone displaying the things within his own possibilities and abilities and therefore brings out the best in himself. Meanwhile you should stay human and believe in the inventive quality even if there is not much tolerance. It’s about cultivating the positive, human skills: compassion, sympathy, exchange, help, etc., everyone can achieve that. Basically the economy wants to develop and to push something, those are basic elements of human action. You want to earn something and to create an additional benefit, that’s why there has to be a strategy to imply the creative. Without vision you cannot develop any strategy or product. The art is just a symbol for intense, human action. If you want to achieve something, you have to be brave, willing to take risks, curious and have fun. It doesn’t work if you are stubborn and without a certain freedom. There has to be conditions for the creative as well.” Additionally, Sebastian Heiner answered the question if he’s more resistant because of his art: “I think so. But that slowly developed over the years.”

German Version / Deutsche Version

Aus sich selbst heraus Handeln – Ein Interview mit dem Künstler Sebastian Heiner


Der gebürtige Berliner Sebastian Heiner studierte in seiner Heimatstadt an der Hochschule der Künste. In der Regel lebt und arbeitet Heiner in Berlin, wo er sich das Atelier mit dem Künstler Jörn Grothkopp teilt. Bezeichnend für den Künstler ist seine Hinwendung und Auseinandersetzung mit der asiatischen Kultur, was sich auch in einem Teil seiner Arbeiten widerspiegelt. Seine Werke zeichnen sich durch abstrakte Farbgestaltungen und plastische Bilddarstellungen aus. Der Berliner erzählte uns, dass seine Malerei auch sehr von seinen Aufenthalten im Ausland geprägt ist. Über viele Jahre unterhielt er Ateliers in Peking, Shanghai und Bangkok. “Ich glaube, dass während dieser Aufenthalte in mir unheimlich viel aufgebrochen ist. Ich hatte vorher das Gefühl, dass meine Malerei in gewisser Weise etwas festgefahren war. Aber dieser Schock der Großstadt, der Schock des Anderen, des Fremden hat mich sehr geöffnet. Ich konnte wieder zur Farbe zurückkehren, habe angefangen, in die Farbe zu kratzen, und versucht, Spuren zu finden. (…) Aber auch das Ausgesetztsein in einen ganz anderen kulturellen Kontext empfand ich für mich als sehr elementar und entdeckenswert. Ich konnte mich in der Ausnahmesituation sozusagen selbst finden: in der Fremde, fernab von meiner kulturellen Identität. Ich konnte wieder zu mir zurückkehren – und fand diesen Widerspruch spannend: Wegzugehen, um zurückzukehren.”

#1 Die Wahrnehmung des Künstlers

“Bei uns beiden Künstlern geht es vor allem um Wahrnehmung. Wir sprechen oft darüber, was eigentlich Wirklichkeit ist. Wir nehmen die Welt unterschiedlich wahr und versuchen zu erkennen wie der andere die Welt sieht, wie wir uns unterscheiden und wo wir uns treffen. Auf jeden Fall treffen wir uns in der ständigen Hinterfragung der eigenen Position. Bei beiden geht es um den Prozess des Schaffens. Für uns ist der Prozess wichtiger als das Ergebnis, der Weg ist das Ziel. Es geht um die verschiedenen Möglichkeiten der Entstehung eines Bildes. Da ist es gerade schön, wenn die Variationen bei uns so unterschiedlich sind. Wir lieben den Austausch, auch mit anderen Personen, und ich halte ihn auch für entscheidend wichtig. Das hilft locker zu bleiben, sich nicht zu sehr zu fixieren und die Türen offenzuhalten.”

#2 Die Bühne des Künstlers

“Mein Feld des Malens begreife ich als Bühne. Wenn ich mich umziehe, versuche ich abzuschalten und mich auf meine Arbeit zu konzentrieren. Ich verlasse das Alltägliche und überschreite eine Grenze in ein Chaos hinein, wo ich nichts habe, außer mir selbst. Die Kleidung ist die Verkleidung, die Bühne ist das Aktionsfeld. Nun geht es an die Gestaltung: Ich arbeite sehr körperlich. Manchmal drücke ich die Tuben auf dem Boden aus, sodass ich erst mal eine Masse von Farbe habe. Manchmal greife ich mit der Hand hinein und verstreiche sie anschließend direkt mit meinem Körper auf der Leinwand. Oder ich nehme Pappe, tauche sie in die Farbe und ziehe sie über die Leinwand. Es muss schnell, direkt und spontan sein. Ich denke hierbei an die Arbeit mit Tusche in Asien und dass man genau konzentriert in dem richtigen Moment das Richtige tut. Dieser Moment ist die Präzision im Chaos. Man muss seiner Intuition folgen. Es kann auch passieren, dass ich eine Komposition geschaffen habe, die mir gut gefällt – bis auf einen kleinen Moment, der das ganze System zum Abstürzen bringt. Es ist eine Kettenreaktion. Das Bild, das zufällig zu sein scheint, ist letztendlich immer ein System von Elementen. Diese Elemente müssen auch eine Ordnung erfahren. Das Freisein kann täuschend sein, denn man hat immer gewisse Module und Teile zur Verfügung. Ich habe eine bestimmte Armbewegung, die ich immer wieder vollziehe ohne es zu merken. Ein bestimmtes Repertoire ist in gewisser Weise auch beschränkend. Zwar kann ich aus diesem Repertoire heraus viele Variationen schaffen, doch meine große Angst ist die Entwicklung von Automatismen und einer Routine. Dagegen muss ich immer wieder ankämpfen, weshalb ich die Grundfarbe oder das Format ändere und einen Schritt zurückgehe. Jeder hat seinen eigenen Stil: Allein schon der physische und psychische Aufbau bestimmt die Elemente, die man zur Verfügung hat. Es geht nicht darum das Repertoire der Elemente zu verändern, höchstens es maximal zu erweitern. Die Gefahr für das Kreative sind die Routine und Gleichförmigkeit.”

Action at Work


#3 Der Arbeitsprozess des Künstlers

“Interessant wird es, wenn keine konkrete Idee vorhanden ist. Mich fordert es heraus immer bei null anzufangen. Das heißt weder eine festgefahrene Idee, noch eine vorgefertigte Meinung zu haben, sondern momenthaft und aus dem Zufall heraus zu agieren, um dann zu sehen, dass sich doch immer wieder eine ähnliche Linie kristallisiert. Auf diese Weise kann man gar nicht anders handeln, als aus sich selbst heraus. Vieles lässt man hinter sich, bis man nur noch das sein kann, was man ist. Meine Motivation besteht darin mich nicht in ein bestimmtes Schema pressen zu lassen, weswegen ich auch das Format auf der Leinwand verändere. Ich stelle mich also auch rein formal in Frage. Es ist eine permanent wiederkehrende Frage, die auch aus einer gewissen Unsicherheit resultiert. Ich muss wieder etwas Neues probieren und mich herausfordern.”

“Wenn Fehler passieren “muss ich im schlimmsten Fall ein neues Bild anfangen. Es wird dann auch mal aussortiert, oder ich übermale es, was jedoch nur in einem gewissen Grad passieren sollte, weil die Frische und Direktheit sich sonst verlieren. Manchmal misstraue ich dem schnellen Ergebnis, man muss immer auf der Hut sein, sich ständig kritisch hinterfragen und dabei konzentriert sein. Ich bin ein großer Anhänger des Pragmatismus. Vielleicht ist es aufgrund der Angst vor dem Chaos und dem Kontrollverlust. Es geht darum eine Balance zwischen dem Chaos und einer geordneten, praktisch orientierten Welt zu halten und diese Spannung auszuhalten. Das Leben unterliegt einem chaotischen Prinzip, doch irgendeine Form von Ordnung muss es hier geben, weil das Chaos sonst zu zerstörerisch ist. Es ist eine dialektische Anschauung der Welt aus zwei Gegensätzen etwas zu schaffen und das Geschaffene anschließend wieder zu hinterfragen.”

#4 Die Regeln des Künstlers

“Wichtig ist es Schritt für Schritt voranzugehen und Entscheidungen zu treffen. Um die Dynamik des Chaos einzuschränken, muss man versuchen die Dinge rational einzugrenzen, bis man zu einem Ergebnis kommt. Ich versuche die Dynamik des Chaos in einem kleinen Moment zu fassen, wie beim Schach. Das Brett unterliegt dem Chaos und man versucht es zu beherrschen. Dazu braucht man auch Mut, denn vielleicht kann man die Dinge gar nicht beherrschen und versucht es trotzdem. Das Risiko des Scheiterns besteht immer. Es kann schon deshalb ein Existenzkampf sein, weil man freiberuflich tätig ist und man seine eigenen Regeln tagtäglich aufstellen muss und gewisse Dinge nicht erzwingen kann. Das Netzwerk und die Kontakte müssen ständig gepflegt und erneuert werden. Es ist eine ständige Anspannung, da man ständig dem Druck der Improvisation unterliegt. Jeder Tag ist neu. Es besteht keine Garantie für irgendetwas, aber das alles kann auch unheimlich attraktiv sein. Die Resonanz und die Bestätigung sind essentiell. In der reinen Isolation kann man nichts schaffen und daher gilt es den Austausch pflegen. Ansonsten geht der Mensch ein.”

#5 Was die Wirtschaft vom Künstler lernen kann

“Von dem Prozess der ständigen Selbsterneuerung und Nichtstehenbleibens. Dass man mutig genug bleibt Probleme anzugehen und Lösungen zu finden und dabei wendig und offen ist. Dass sie erkennen, dass es keine Sicherung gibt, sondern immer wieder neue Momente. Dass man im Team arbeitet und mit seinen Partnern kommuniziert, sodass man die Dinge nicht alleine, sondern gemeinsam voranbringt. Dass sie an sich selbst und an die Menschen glauben. Der Glaube an sich selbst ist der stärkste Antrieb durch den man es schafft Lösungen zu finden. Es gibt immer eine Lösung, auch wenn sie vielleicht anders ist, als man sie sich vorgestellt hat. Manchmal hat die Lösung auch keine Lösung.

Ich glaube, dass das jeder erfahren kann: Egal, ob Präsident, ein Kassierer oder ein Professor. Es kommt darauf an, dass jeder im Rahmen seiner Möglichkeiten und Fähigkeiten die Dinge zur Entfaltung bringt und dabei das Maximale aus sich herausholt. Dabei sollte man menschlich bleiben und an die schöpferische Qualität auch dann glauben, wenn man wenig Spielraum hat. Es geht darum die positiven menschlichen Qualitäten zu kultivieren: Mitleid, Mitgefühl, Austausch, Hilfe, usw., das kann jeder leisten. Grundsätzlich geht es in der Wirtschaft darum etwas zu entwickeln und voranzutreiben, das sind Grundelemente des menschlichen Tuns. Man will etwas erwirtschaften und einen Mehrwert erzeugen, weshalb eine Strategie entwickelt werden muss, die das Schöpferische impliziert. Ohne Vision kann man keine Strategie und kein Produkt entwickeln. Die Kunst ist bloß ein Symbol für intensive, menschliche Handlung. Wenn man etwas erreichen will, muss man mutig, risikobereit, neugierig sein und Freude haben. Es funktioniert nicht, wenn man festgefahren ist und ohne einer gewissen Freiheit. Auch für das Kreative muss es Bedingungen geben.” Außerdem antwortete er die Frage ob er durch die Kunst besonders widerstandsfähig sei: “Ich denke schon. Es hat sich aber auch erst mit der Zeit entwickelt.”

Interview: Dirk Dobiéy, Transcript: Benjamin Stromberg, Blog: Adina Asbeck/Dirk Dobiéy, Editing: Stephanie Barnes
Picture source:  Hans-Georg Gaul (for Sebastian Heiner) except title portrait Age of Artists